« Chaque pays a son histoire de l'art »

Cette subjectivité qui meut Sultan Al Qassemi est ce dont on a le plus besoin dans le monde de l’art. Il y a de nos jours trop de soi-disant objectivité là où on devrait conserver une part de liberté. Philippe van Cauteren

De nos jours, nombreux sont les collectionneurs à développer leur collection selon une  stratégie qui répond à un besoin de reconnaissance par le milieu de l’art ou d’investissement financier. Chez Al Qassemi coexistent plusieurs motivations; mais il ne se départit jamais d’une très grande autonomie. Sa démarche pourrait évoquer celle du collectionneur Antoine de Galbert, encore que ce dernier embrasse davantage l’art dans sa complexité; Sultan est plus léger, d’une autre génération – il s’intéresse beaucoup aux médias sociaux et à l’utilisation d’Internet dans le monde arabe. Antoine de Galbert est plus proche de la création tandis que chez Sultan, il y a la perception de l’artiste, dont le choix développe un discours politique de ce que l’art peut représenter. Dans de nombreuses pièces de sa collection, il y a une démarche engagée; elle comprend beaucoup d’œuvres politiques. Non qu’il adopte une position politique claire, mais il y a quand même un lien. Or, cette subjectivité qui le meut est ce dont on a le plus besoin dans le monde de l’art. Il y a de nos jours trop de soi-disant objectivité là où on devrait conserver une part de liberté.

De temps à autre, je m’adonne à un petit test en montrant à une personne de mon entourage une reproduction d’un de mes artistes favoris de la collection : le peintre marocain Ahmed Cherkaoui : tous le trouvent incroyable, fantastique… et personne n’en a jamais entendu parler.

Avant de rencontrer Sultan Al Qassemi, je m’étais demandé pourquoi il ne collectionnait que des artistes du monde arabe. Selon moi, l’art ne saurait être défini par une nationalité. Pourquoi un collectionneur belge ne collectionnerait-il que de l’art belge ? Un artiste belge, ça n’existe pas : c’est un artiste qui est né en Belgique et qui utilise et reflète le contexte dans lequel il a grandi et s’est développé en tant qu’artiste. Il en va de même pour toutes les nations.
Naturellement, cela a à voir avec l’histoire de Sultan, son origine, son point de vue, mais aussi avec la grande fragilité de l’art dans le monde arabe. Tout le monde sait dans quelle complexité se trouve le monde arabe, à l’intérieur de ses frontières et jusqu’en Europe depuis les tragédies de ces dernières années. Ces phénomènes concourent plus encore à la fragilisation de l’art et de l’artiste dans les pays arabes, mais aussi dans leur réception.
Je ne puis donc qu’éprouver un très grand respect pour ce choix. Je comprends pourquoi Al Qassemi s’est limité à une zone géographique : au début de mes recherches pour l’exposition, je ne connaissais moi-même que quinze artistes de toute la collection. Voilà qui est honteux, et lourd d’enseignement sur le regard de l’Occident : un regard encore et toujours centré sur l’histoire de l’art occidentale et par extension sur la littérature, la culture en général, l’économie, la politique, etc.
La méconnaissance de l’art d’une région du monde autre que la sienne est un révélateur de l’ignorance en général. C’est pourquoi, en tant que directeur de musée, il est capital de pouvoir faire cette exposition, et ainsi de combattre cette négligence. Je ne sais quel sera le titre définitif de l’exposition. Mais « Visage du monde » aurait toutes mes faveurs, car il évoque un miroir tendu aux ignorants, à ceux qui ne font aucun d’effort pour dépasser leurs limites, leur propre compréhension de ce qu’est l’art. Cette exposition est un outil contre cette logique stéréotypée qui restreint le monde arabe à un monde de conflits. Toutes les démarches déjà entreprises par l’IMA depuis sa fondation ont été menées pour combattre cette idée naïve selon laquelle l’Europe aurait inventé le monde.

Je suis toujours un peu inquiet quand je vois des expositions thématiques où, comme des mots sortis de leur contexte, l’œuvre d’art ou l’artiste même sont abusés.

Comment avez-vous conçu le parcours ? Quel est le principe retenu pour l’accrochage et la répartition des œuvres dans l’espace ?

Après ma visite à Sharjah, j’ai commencé à réfléchir : comment élaborer une exposition qui fasse sens sans tomber dans la prétention? Comment respecter les artistes et les œuvres et refléter en même temps mon expérience à Sharjah?
J’aurais pu choisir un thème, comme on le fait trop souvent, puis l’illustrer en puisant dans la collection: un angle politique, identitaire, etc. Mais ce type de démarche va à l’encontre de ma conception: il instrumentalise l’œuvre d’art pour servir un propos. Non que je ne veuille concevoir des expositions dénuées de point de vue : la « Beauté invisible » de mon pavillon irakien en était un. Mais avant toute chose, cette exposition se voulait une célébration de cinq artistes ayant joui d’une bien faible visibilité. Concernant l’exposition de l’IMA, ma préoccupation était de faire un choix au sein d’une grande collection en demeurant fidèle à ma manière de travailler, à mon respect pour l’artiste, et de proposer une exposition intéressante pour le public. C’est alors que j’ai décidé de faire vivre les différentes expériences que j’ai eues à Sharjah et la façon dont est utilisée la collection. C’est alors que les deux pans  évoqués plus haut se sont structurés : un « Espace muséal » et une « Réserve ».

Peut-être à long terme Sultan transformera-t-il sa collection en un musée abritant des collections permanentes ? Disons que l’« Espace muséal » est le prototype d’un futur musée qui verra peut-être le jour. Concernant la partie « Réserve », il me faut préciser qu’ici, à Gand, j’aime me promener dans les réserves du musée. On y noue un rapport autre avec les œuvres. Un rapport technique, car l’accrochage est technique, à mille lieues de la glorification ou de la célébration de l’accrochage muséal ; un rapport plus sincère. Dans cette exposition, mon propos est de montrer le « visage du monde », d’amener le visiteur à remettre sa perception en question et en même temps, de montrer les différents visages d’une collection. En ce sens, la scénographie est un outil pédagogique, une expérience : une collection n’est pas toujours accrochée avec soin aux murs. Elle existe aussi dans d’autres états, dans l’espace mais aussi mentalement. Enfin, la disposition des espaces dédiés à l’exposition à l’IMA – deux niveaux, avec un escalier qui fait le lien entre les deux – a achevé de me convaincre que je faisais le bon choix.

Il s’agit de résister au regard anthropologique ou scientifique pour privilégier celui qui fait de l’œuvre en soi le protagoniste.

Il y a dans « l’espace muséal » de l’exposition une volonté d’exposer les œuvres de manière non chronologique et non thématique, privilégiant parfois les confrontations formelles…

Concernant la chronologie, il ne s’agit pas de nier qu’une œuvre a été créée à une période donnée. C’est une donnée objective. Mais en même temps, toute chronologie, toute histoire de l’art est un mensonge : l’histoire de l’art est une construction élaborée par une élite scientifique qui décide que tel artiste, tel mouvement est important.

Le choix de la non-chronologie entend engager le visiteur à lutter contre la paresse, à regarder l’œuvre et non les informations sur l’œuvre.  Par qui est-ce créé, quand et pourquoi sont bien sûr des informations importantes. Mais il s’agit de voir l’œuvre non pas comme le maillon d’une chaîne, un phénomène appartenant à une totalité plus vaste, mais en soi. D’y plonger son regard comme on le fait quand on regarde une œuvre de Marx Ernst, Kurt Schwitters ou Lucian Freud. De s’adresser à l’œuvre avant de s’adresser à l’histoire qui l’entoure.

Respecter la chronologie, c’est comme copier une pratique méthodologique qui est de l’ordre de la taxonomie, c’est une validation basée sur de mauvaises raisons. Le choix d’un accrochage non chronologique ne signifie pas qu’on est dans l’aléatoire et qu’on peut faire ce que l’on veut : nous avons tenté de faire toucher du doigt les mouvements qui peuvent exister entre abstraction et figuration, et comment l’abstraction est liée à des moments révolutionnaires dans l’art et à des périodes de grandes transitions. Nous souhaitons aussi faire parler les œuvres comme elles sont. L’entrée principale de l’exposition, ce corridor, est comme une grande galerie : le visiteur qui y pénètre peut choisir d’aller à droite ou à gauche, et l’accrochage joue comme une mécanique de valorisation. La partie muséale ne peut exister sans celle des réserves, et réciproquement.